LOS QUE LE DIJERON "NO" AL OSCAR. UNA ESTATUILLA MUY CODICIADA PERO TAMBIÉN MUY VITUPERADA. SÍMBOLO DE UN PODER OMNIPRESENTE

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Espectáculos

La carrera al Oscar

Los que le dijeron "no gracias" al Oscar

El galardón de la Academia de cine de Hollywood es deseado por muchos; otros, prefieren banalizarlo; mirá quiénes no lo aceptaron.

    

El Oscar es un premio como tantos otros. No obstante, lo asigna la mayor industria del cine en el mundo, es mundialmente conocido y su transmisión televisiva es cada vez más global. Esas características, sin embargo, no le hacen mella a quienes deciden decirle "No, gracias" a la estatuilla dorada.

Te contamos quiénes no lo aceptaron y quiénes prefirieron que les manden por correo el galardón.

1- GEORGE C. SCOTT Y LA OSTENTACIÓN

"¡Oh, Dios mío! El ganador es George C. Scott", dijo en 1971, Goldie Hawn, muy sorprendida, en plena entrega del Oscar a mejor actor. Es que días antes, George C. Scott ya había dicho que no le interesaba ser nominado, por lo que iba a ser retirado de la terna de nominados, pero al parecer los tiempos no dieron para que esto sea efectivo.

Scott había sido nominado por interpretar al tiránico militar estadounidense George S. Patton en el film Patton. Antes de que ir a recibir su premio, prefirió quedarse viendo hockey.

A la única ceremonia de los Oscar a la que asistió Scott fue en 1960, cuando por primera vez lo nominaron a mejor actor secundario por su participación en Anatomy of a Murder (1959). En el video (más abajo) lo podemos ver sonriendo a las cámaras (en el minuto 1:52), pero al parecer esa primera impresión más la idea que se haría haciendo de los premios a lo largo del tiempo, le bastaron para decirle no a los premios. "Son un desfile de carne y pura ostentación pública con trama de suspenso por razones económicas", sentenció.

En 1962 también fue nominado a mejor actor secundario por The Hustler (1960), pero se negó a la nominación.

2- DUDLEY NICHOLS, EL GREMIALISTA

Dudley Nichols fue el primero en negarse a ganar un Oscar. Nichols era guionista y había sido galardonado con la estatuilla en 1936 por la película El delator. No obstante, le dijo que "no" al premio debido a diferencias gremiales que tenía con la Academia de cine de Hollywood (Nichols era presidente del gremio de guionistas).

Más adelante, fue nuevamente nominado como guionista de las películas Hombres del mar (1940), Air Force (1943) y The Tin Star (1957).

Luego de esto, cambió de profesión, fue un periodista destacado del New York Post.

3- MARLON BRANDO Y LA VENDETTA

Su papel como Don Vito Corleone en El padrino le mereció un Oscar en 1973. Ya en 1955 había ganado y aceptado ese galardón por Nido de ratas (1954). Pero en esta segunda ocasión Marlon Brando no quiso aceptarlo y se lo comunicó a la Academia de Hollywood de una manera notable: envió a una activista siux, Sacheen Littlefeather, a leer su discurso de renuncia en el que argumentaba que no lo aceptaba debido al maltrato que los indios americanos recibían en el cine y la televisión de Estados Unidos. Por esto, afirmó que se sumaba a la causa de los siux en el oeste.

¿Por qué? En esos días centenares de miembros de los pueblos originarios de Estados Unidos y simpatizantes de su causa ocuparon el pueblo de Wounded Knee, que se encontraba en la reserva Pine Ridge, en Dakota del Sur. Los manifestantes pedían que el gobierno suspendiera el asesinato y el hostigamiento de partidarios del Movimiento Indígena Americano (AIM) y que se respetaran los tratados firmados entre hombres blancos y siux, ya que les habían "concedido la libertad para vivir" en los Black Hills, unas montañas de Dakota del Sur.

En respuesta, el gobierno envió 300 efectivos del Ejército de los Estados Unidos, agentes del FBI, miembros de la Oficina de Asuntos Indígenas (en inglés, BIA), mariscales federales y policías estatales. El sitio duró 73 días en los que se dieron varios enfrentamientos. Brando, el mismo día de los festejos del Oscar, se sumó a la toma del pueblo.

Es sabido el compromiso de Brando por causas sociales, no obstante el temor de la Academia a que la política (por fuera de las películas y sus intereses) se mezcle con los premios, el actor fue nominado más adelante.

Así, fue nominado por las películas Un tranvía llamado deseo (1951); ¡Viva Zapata! (1952); Julio César (1953); Sayonara (1957); Ultimo tango en París (1972); Una árida estación blanca (1989).

LOS GRANDES FALTAZOS

Sí, muchos de los que alguna vez ganaron un Oscar faltaron a la ceremonia con excusas que no incluían los problemas de salud.

Vacaciones

Katharine Hepburn ganó cuatro estatuillas durante su carrera, pero nunca asistió a la gran fiesta del cine. ¿Las razones? Su preferida era que no quería interrumpir sus vacaciones en Europa.

Amor por la pesca

John Ford, también con cuatro galardones, y tampoco recogió ninguno. Por ejemplo, cuando fue galardonado por el film The Grapes of Wrath, puso la excusa de que no podía ir porque estaba pescando.

Primero, el clarinete

Woody Allen es el gran ausente en los Oscar. Fue nominado 21 veces en toda su carrera y sólo asistió en 2002 para rendirle homenaje a Nueva York tras el atentado del 11-S.

También, faltó cuando ganó su primer, y hasta ahora único Oscar por mejor director. Fue en 1978, cuando su film Annie Hall se impuso sobre Star Wars que previamente había arrasado en varias categorías. El argumento de Allen para no asistir: se olvidó de ir pues estaba tocando el clarinete. (En 1987 ganó otro Oscar por Hannah y sus hermanas (1986), en la categoría mejor guión escrito para cine).

Oscar... ¿qué?

Los Oscar honoríficos se dan por fuera de la ceremonia tradicional que es transmitida en los medios con el glamour de la alfombra roja. Más allá de eso, en 2010, Jean Luc Godard no aceptó ir a la entrega del galardón debido a que no tenía ganas de viajar y a que realmente no le interesaba ser reconocido por Hollywood. A través de su mujer Anne-Marie Mieville, el director se expresó: "No son los Oscar de verdad. Jean-Luc no irá a América, se está haciendo viejo para este tipo de cosas. ¿Viajaría usted ese trayecto por un pedazo de metal?".

Pueden ir a la nota del diario si siguen este link:

http://www.lanacion.com.ar/1446658-los-que-le-dijeron-no-gracias-a-el-oscar

EL CINE DE HOLLYWOOD SEGÚN MICHAEL HANEKE

Haneke alerta de los peligros del cine por su capacidad de "manipular" al público

25/10/2013 -EUROPA PRESS, OVIEDO

Durante la entrega del Premio Príncipe de Asturias de las Artes, el director y guionista de cine austriaco Michael Haneke, ha hecho este viernes una profunda reflexión acerca del cine actual. Ha advertido de sus peligros, porque "ninguna forma artística es capaz de convertir tan fácil y directamente al receptor en la víctima manipulada de su creador como es el cine".

"El cine es un medio de avasallamiento", ha dicho Haneke en su intervención en la ceremonia de entrega de los Premios Príncipe de Asturias 2013 en el Teatro Campoamor de Oviedo. Ha argumentado que el séptimo arte ha heredado las estrategias efectistas de todas las formas artísticasque existían antes que él y que las usa eficazmente. "En eso radica la fuerza del cine y su peligro", ha advertido.

Por eso, ha insistido en la necesidad de que los autores tomen "en serio" a los espectadores. "Un autor que no toma en serio a su socio, el receptor, de la misma forma en que él mismo quiere ser tomado, no tiene un interés real en el diálogo", ha explicado.

De esta forma, ha insistido en la responsabilidad a la hora de afrontar el proceso. "¿Quién asume esta responsabilidad? ¿Surge la fundada desconfianza de aceptar el cine como forma artística de esta responsabilidad tan frecuentemente no asumida? ¿La manipulación no es lo contrario de la comunicación? ¿Y no es la comunicabilidad y el respeto ante el tú del receptor una condición básica para poder hablar de arte en general? ", se ha preguntado ante los asistentes.

"El cine, con su peligrosa eficiencia en temas propagandísticos, ha puesto en peligro el destino de miles de personas", ha señalado. Para Haneke, la manipulación que se puede lograr a través del cine no es sólo para fines políticos, sino que también puede servir al autor dela misma para hacerse rico a costa de los espectadores.

ESTADOS UNIDOS

En su intervención, Haneke ha tenido tiempo para criticar el modelo del cine norteamericano, donde existe una "dictadura del mercado", en la que el éxito de una película se mide "exclusivamente en dinero contante".

Para el director de 'Amour', la situación en Europa no es muy distinta y sólo está aparentemente "amortiguada" por las subvenciones. En comparación con Estados Unidos, la influencia sobre las producción cinematográfica de las cadenas de televisión, que en Europa participan decisivamente en la financiación, es "un mal solo insignificantemente menor".

Todo ello viene derivado de la particularidad del cine, que es la más cara de todas las producciones artísticas, ha explicadoHaneke y, a la vez, "la más efímera y dependiente del mercado". Por ello, los realizadores se enfrentan a una realidad en la que "los errores no son tolerables".

"A ello se añade como agravante la competencia de los medios de comunicación de masas que con su trivialización de los criterios estéticos y de contenido, forzada por la dependencia del índice de audiencia, no representan precisamente una escuela audiovisual compleja para el público potencial del cine", ha comentado en relación a los actuales medios de comunicación.

Fuente:

Insertado desde http://www.teinteresa.es/principado-de-asturias/asturias/oviedo/Haneke-peligros-capacidad-manipular-publico_0_1017500139.html

Punta Alta, 26 de octubre de 2013

LOS JÓVENES NO VEN PELÍCULAS ARGENTINAS

Ver nota completa en www.pagina12.com.ar

Sociedad  |  Viernes, 4 de octubre de 2013

LA MITAD DE LOS CHICOS NO VIO PELÍCULAS ARGENTINAS EN EL CINE EN UN AÑO

Un cine en busca de jóvenes

El dato surge de una encuesta realizada por la Academia del Cine entre jóvenes de todo el país de 16 a 25 años. Los motivos: la falta de difusión, que no son tan entretenidas como las extranjeras y que son “en blanco y negro”.

“No hay tanta variedad como en el cine de otros países”, “no hay cines que pasen argentinas cerca de mi casa”; “las películas son en blanco y negro”. Esos son los argumentos –en algunos casos, prejuicios– de los jóvenes de 16 a 25 años para explicar por qué no van con frecuencia a ver films nacionales, según una encuesta que dio a conocer ayer la Academia de Cine. Los números son preocupantes: en el último año el 50 por ciento no vio ninguna película argentina en el cine y un 20 por ciento, ni siquiera en DVD o en TV. La institución, sin embargo, busca derribar preconceptos y salió a exhibir películas nacionales a públicos jóvenes de todo el país que, sorpresivamente, las recibieron cálidamente e incluso con aplausos.

“Quedé medio horrorizado con eso de que las películas argentinas son ‘en blanco y negro’, me dije ‘¡No saben nada!’. Los chicos dicen que necesitan películas que hablen de ellos. Eso lo que demuestra es desconocimiento, porque hay un montón de películas argentinas sobre jóvenes hechas por jóvenes. Ni se enteran y eso viene por el lado de la difusión. No lo conocen”, analizó el director de la Academia, el cineasta Juan José Campanella, durante la presentación de la encuesta donde compartió un panel con Santiago Mitre, director del film El estudiante, y el productor Axel Kuschevatzky.

El sondeo se realizó entre 1500 jóvenes de 16 a 25 años que participaron de la exhibición de películas argentinas entre noviembre de 2012 y julio de 2013, en las ciudades de Buenos Aires, Mendoza, Rosario, Córdoba y Ushuaia. A través de la iniciativa “Los jóvenes y el cine nacional”, los jóvenes asistieron a funciones de Un cuento chino, Infancia clandestina, Días de vinilo, La suerte en tus manos, Vino para robar y El estudiante con la presencia de los respectivos directores.

Los datos del relevamiento son duros en todo sentido. El 50 por ciento no vio ninguna película argentina en el cine en el último año y un 20 por ciento no vio films argentinos por ningún medio (cine, TV, web). Si no fuera por la TV este porcentaje sería más del doble (45 por ciento).

Entre los principales motivos por los cuales no ven cine nacional, figura que “no los atrapa” (90 por ciento), “no los entretiene” (85 por ciento) y que “no se enteran del estreno” (80 por ciento). Además, otros motivos señalan que las películas “son muy iguales” (45 por ciento), “no hay tanta variedad como el cine de otros países” (20), “no hay cines que pasen argentinas cerca de la casa” (20), “no encuentran alguien que los acompañe” y “las películas son en blanco y negro” (1,5).

Al respecto, Santiago Mitre destacó que hoy el cine nacional “tiene una mejor producción y es más valorado”: “Si esta encuesta se hubiera hecho en 1994 hubiera dado peor”. En tanto, Axel Kuschevatzky señaló que más adelante habría que analizar el impacto de los estrenos del mes de julio en adelante (Metegol, Corazón de León, Séptimo y Wakolda) ya que en el primer semestre del año el cine nacional había convocado a un millón y medio de espectadores y a esta altura de octubre ya ascendió a los 6 millones, mientras que en septiembre cuatro películas argentinas lideraron la taquilla.

En cuanto a la difusión, Campanella sostuvo que algunos directores pueden tener parte de la culpa pero que el apoyo de la TV es fundamental para que una película sea vista. “Yo, a comienzos de mi carrera no concebía el lanzamiento como parte de mi trabajo y pensaba que hacer el poster era un trabajo no creativo, pero hay creatividad en hacer la campaña, el trailer, el poster. Eso es quizás una deuda de nuestro lado. Por otro lado, la TV de aire sigue siendo importante: todas las películas más vistas de este año tuvieron apoyo de la TV.”

En este punto, los jóvenes coinciden. Consultados acerca de qué necesita el cine nacional, respondieron en primer lugar que más publicidad y difusión cuando las películas se estrenan (90 por ciento), seguido de que el argumento atrape (80) y que sea más divertido (80). Una respuesta suelta indicó: “Que se le vaya la mala fama porque últimamente está mejorando mucho”.

“La preocupación de la Academia es qué pasa con películas muy buenas como Infancia clandestina, Días de vinilo o El estudiante, por qué se quedan en los 100 mil espectadores. En las funciones con los pibes, éstos aplaudían y las festejaban cuando jamás las hubieran ido a ver al cine. Hay rechazo pero, una vez que se supera, la película argentina le gana al tanque estadounidense. Hay que analizar la fuente del prejuicio. Ver cine argentino parece como comprar un auto usado, lo tienen que probar 10 personas como para que uno se convenza. Con la estadounidense pasa todo lo contrario: si está Jennifer Aniston y se ve en el trailer que es mala se la va a ver igual”, opinó Campanella.

“Estamos tratando de quebrar el prejuicio de que el cine argentino es aburrido, malo, no en el sentido de mala factura sino aburrido por una cuestión de ritmo y de que siempre fue así –concluyó el laureado director–. Ahora estamos con un plan de restauración de cine clásico argentino bueno y popular. Logramos la Ley de Mecenazgo hace un año y conseguimos el dinero, ya que se trata de un proyecto de un millón y medio de pesos para tener el software y el hardware necesario para arreglar imagen y sonido y poder hacer exhibiciones por los barrios, los cines de la ciudad, el espacio Incaa, Internet, como sea y generar debates.”

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HIGH NOON. A LA HORA SEÑALADA. EL WESTERN EN LA BIBLIOTECA ALBERDI. UN CICLO IMPRESCINDIBLE

A la hora Señalada

"High Noon" (Solo ante el peligro)

"HIGH NOON", DEL DIRECTOR FRED ZINNEMANN, ES LA SEGUNDA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "LOS GÉNEROS EN EL CINE: EL WESTERN”  QUE HA ORGANIZADO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. JUNTO CON LA DILIGENCIA (JOHN FORD) -YA PROYECTADA-, HIGH NOON (FRED ZINNEMANN –A LA HORA SEÑALADA- (1952), TEMPLE DE ACERO (HENRY HATHAWAY, 1969), Y SU REMAKE DE LOS HERMANOS COEN (2010), CONSTITUYEN MAGNÍFICOS EJEMPLOS DE OBRAS DE ESTE PRIMORDIAL GÉNERO CINEMATOGRÁFICO.

Se proyectará en la Biblioteca Alberdi el sábado 10 de AGOSTO a las 18 hs.

Ficha Técnica:

Dirigida por Fred Zinnemann, escrito por Carl Foreman, basada en el cuento "The Tin Star" de John W. Cunningham, director de fotografía, Floyd Crosby, editado por Elmo Williams y Harry Gerstad, música de Dimitri Tiomkin, diseñador de producción, Rudolph Sternad, producido por Stanley Kramer, publicado por United Artists. Blanco y negro. 85 minutos: Duración. Año: 1952

CON: Gary Cooper (Will Kane), Thomas Mitchell (Jonas Henderson), Lloyd Bridges (Harvey Pell), Katy Jurado (Helen Ramírez), Grace Kelly (Amy Kane), Otto Kruger (Percy Mettrick), Lon Chaney (Martin Howe) y Henry Morgan (William Fuller).

Un dilema ético y moral. “High Noon” es un clásico. Por supuesto, es un clásico porque ha provocado que técnicamente fuera contada, la historia, con una simplicidad y llaneza narrativa casi imposible de creer. Y porque detrás de esa sencillez logra mostrar que este mundo está colmado de cobardes y matones a la hora de jugarse por el bien común. La película narra que en el momento justo de su casamiento, y ya casi con la jubilación en la mano, Will Kane, ex sheriff (alguacil) de un pequeño pueblo, se entera que un grupo de delincuentes que han dejado la cárcel, llegan para vengarse, ya que fue él quien los atrapó. El drama, contado con elementos inteligentemente usados, pictóricos y semánticos, logra un clima muy especial si tenemos en cuenta que Zinnemann utiliza el tiempo real y cronológico en la sucesión de los hechos durante lo que en realidad se vive en el film, o sea en el tiempo fílmico. Es la historia, en su duración real, de un hombre que asume su valentía como un valor, un destino o un objetivo que va más allá de sus intereses personales para enfrentarse ante el peligro, lo que entraña una decisión ética y moral no aceptada e incomprendida hasta por su propia esposa.  No está exenta de poesía este cuento ambientado en el lejano oeste. La música, los planos fijos del pueblo y los forajidos, el sonido y la imagen del reloj, la mítica figura de Gary Cooper, los distintos personajes, y hasta la pávida y asustadiza actitud de los pobladores, todo contribuye dramáticamente a hacer en 80 minutos una de las obras más interesantes dentro del “western”. Categoría cinematográfica considerada como el género por excelencia en el cine de Hollywood, por sus temas, sus hombres, su cuota de natural violencia, sus paisajes, sus héroes, y por sobre todo, por su contenido épico, formal y conceptual. La historia de la conquista del oeste, o, lo que es lo mismo, la historia de la ocupación territorial de un continente, por el hombre “blanco”, es la historia de un país, la expoliación y la supresión de sus aborígenes, y el modelo de la llamada civilización occidental y cristiana.

Esta película será proyectada en el auditorium de la Biblioteca Alberdi, por el Cine Club “Dos Miradas”, en el ciclo “Los géneros en el cine: el western”, el día 10 de agosto a las 18 hs. La entrada es gratuita.

Héctor O. Correa

Punta Alta, agosto de 2013

STAGECOACH (LA DILIGENCIA). LOS ORÍGENES DE LA ÉPICA HOLLYWOODENSE

"STAGECOACH" (LA DILIGENCIA), DEL DIRECTOR JOHN FORD, ES LA PRIMERA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "LOS GÉNEROS EN EL CINE: EL WESTERN”  QUE ESTÁ ORGANIZANDO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. JUNTO CON LA DILIGENCIA (JOHN FORD, 1939),  HIGH NOON -A LA HORA SEÑALADA- FRED ZINNEMANN (1952), TEMPLE DE ACERO (HENRY HATHAWAY, 1969), Y SU REMAKE DE LOS HERMANOS COEN (2010), CONSTITUYEN MAGNÍFICOS EJEMPLOS DE OBRAS DE ESTE PRIMORDIAL GÉNERO.

Se proyectará en la Biblioteca Alberdi el sábado 20 DE JULIO a las 18 hs.

Stagecoach (La diligencia)

Ficha técnica:

Título original: Stagecoach (La diligencia)

Año: 1939

Duración: 99 min.

País: Estados Unidos

Director: John Ford

Guion: Dudley Nichols (Historia: Ernest Haycox)

Música: Varios (canciones populares americanas siglo XIX)

Fotografía: Bert Glennon (B&W)

Reparto: John Wayne, Claire Trevor, Thomas Mitchell, Andy Devine, George Bancroft, Donald Meek, Louise Platt, John Carradine, Berton Churchill, Tom Tyler, Tim Holt

Productora: United Artists

Género: Western

1939: 2 Oscars: Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell). 7 nominaciones

1939: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director

http://cineclubdosmiradas.blogspot.com.ar/2013/07/stagecoach-la-diligencia-un-western.html

El western se inscribe en la máxima categoría de los géneros cinematográficos generados por la cultura norteamericana. A la vez que se lo considera uno de los más “inverosímiles” en términos estéticos. John Ford nos entrega veloces caballos, proezas en las acciones de extraordinarios actores, paisajes demasiado bellos, una diligencia que hasta para algunos críticos no podía existir en esos tiempos, pero historias llenas de contenidos que aluden a personajes cuya condición existencial es puesta en un estado de duda o bien transitan el cuasi religioso camino hacia el “destino manifiesto” en la que se asienta o se asentó la cultura de EE.UU. “La diligencia” en manos de John Ford es una obra casi mística sino fuera por sus rasgos épicos que sobrevaloró para alegría y felicidad del pueblo norteamericano, y por qué no del mundo occidental. Considerada una obra maestra dentro del género, y fuera también, Ford, junto con Orson Welles, Stanley Kubrick y algunos pocos más, está considerado un prodigio que como Chaplin, o Hitchcock, trascienden sus obras y su origen para ser, exagerando un poco, como dijo Bertolucci, casi un Homero del cine o del séptimo arte. Su concepción trágica de sus historias -más en el western-, sus personajes a contramano de las convenciones y las pautas morales de esa época, lo ubican como un precursor y un realizador muy especial. Esa diligencia es un símbolo, una metáfora, y se concentran sobre ella el origen, la épica y el destino de millones de norteamericanos.

Distintos personajes, de variada condición moral, social y cultural, y estamos hablando del lejano oeste, durante la conquista y colonización, como ser un delincuente resentido y ávido de venganza, una típica mujer de los burdeles del western expulsada por las autoridades civiles y eclesiásticas del pueblo, un incondicional y peligroso jugador de póker, la esposa embarazada de un miembro del glorioso ejército, un médico bebedor, y un sheriff, deberán contener la embestida de un malón de una tribu apache, en un contexto donde las relaciones interpersonales, con los matices propios de individuos conflictivos y de dudosa integridad ética y moral, es el escenario, aislado y abandonado a su propia su suerte de esa lucha titánica frente a la adversidad.

Como en algún momento dijo Borges, “el western es la última forma de la épica”, por supuesto refiriéndose y comparándolo a los héroes mitológicos de la épica griega y de la literatura posterior.

“Todo esto, por supuesto, cubierto o protegido por un tinte religioso que nos remite a las posturas más ortodoxas y fundamentalistas de las creencias musulmanas que tanto critica y denosta el “American Self-Made Men” invocando el “American Dream”, la libertad y la justicia del mundo occidental. La moral super burguesa, las posturas liberales, la hipocresía en las relaciones matrimoniales, “el destino manifiesto”, la religiosidad dominguera, la maquinaria o el complejo bélico-industrial, y los códigos de conducta y prohibiciones a todo aquello que signifique romper con esa moralina, son y fueron los resortes a los cuales se apeló para la imposición y el dominio de sus valores y creencias, asentadas en un manejo bíblico del destino, una “temible” esperanza en la realización de un país joven y poderoso junto con la destrucción de todo aquello que encarne la inminente llegada del Apocalipsis. Eso ha sido y seguirá siendo el genio y la inteligencia de un cine que si bien invoca los ideales perdidos, o la pérdida de las ilusiones, no es ni más ni menos que la lucha inclaudicable por la defensa irrestricta de un estilo de vida y la conservación de sus bienes por sobre todas las cosas.” (Cine en Punta)

Héctor Correa

Punta Alta, julio de 2013

MONSIEUR LAZHAR. Una pequeña obra maestra

 

 

 

 

 

 

 

"MONSIEUR LAZHAR", DEL DIRECTOR Y ESCRITOR PHILIPPE FALARDEAU, ES OTRA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "EL TEATRO Y EL CINE”  QUE ESTÁ ORGANIZANDO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. JUNTO CON CARNAGE (ROMAN POLANSKI) Y LE PRÉNOM (ALEXANDRE DE LA PATELLIÈRE Y MATTHIEU DELAPORTE), AMBAS YA PROYECTADAS, CONSTITUYEN MAGNÍFICOS EJEMPLOS DE ADAPTACIONES DE OBRAS DE TEATRO AL CINE.

 

Se proyectará en la Biblioteca Alberdi el sábado 06 de julio a las 18 hs.

 

 

 

 

 

“A todos los maestros, a todos los alumnos, y a todos los demás.

Si tuviera cierta maestría en lo que fuera, sería maestra, de música, por ejemplo, o de escuela, o de otra cosa.

Entonces me dedicaría hasta dejarme la voz, porque tendría tantas cosas para enseñar antes de que fuera la hora, hablaría de prisa por miedo de aburrir a los alumnos, intentaría hacer broma, porque me perdonaran por obligarlos a estar sentados.

A veces temblaría ante la idea de tanta responsabilidad, ante la simple idea de poder destrozar para siempre una gran historia de amor entre un niño y el aprendizaje, por poco que me mostrara impaciente, irritable o indiferente. Si, a pesar de todo, una mañana que estuviera cansada, debiera cerrar los ojos ante una herida abierta, si tuviera que romper un sueño o una ambición con mi simple palabra de maestra, no lo superaría.

Otras veces no me vería con corazón ante la enormidad de la tarea, tendría ganas de poner la cabeza sobre la mesa y confesar a los alumnos que no domino nada y mucho menos la situación, y ellos mirarían mi triste espectáculo, con pena e impotencia. Prefiero decirle que sin duda sería una muy ma“A todos los maestros, a todos los alumnos, y a todos los demás.
Si tuviera cierta maestría en lo que fuera, sería maestra, de música, por ejemplo, o de escuela, o de otra cosa.

Entonces me dedicaría hasta dejarme la voz, porque tendría tantas cosas para enseñar antes de que fuera la hora, hablaría de prisa por miedo de aburrir a los alumnos, intentaría hacer broma, porque me perdonaran por obligarlos a estar sentados.

A veces temblaría ante la idea de tanta responsabilidad, ante la simple idea de poder destrozar para siempre una gran historia de amor entre un niño y el aprendizaje, por poco que me mostrara impaciente, irritable o indiferente. Si, a pesar de todo, una mañana que estuviera cansada, debiera cerrar los ojos ante una herida abierta, si tuviera que romper un sueño o una ambición con mi simple palabra de maestra, no lo superaría.

Otras veces no me vería con corazón ante la enormidad de la tarea, tendría ganas de poner la cabeza sobre la mesa y confesar a los alumnos que no domino nada y mucho menos la situación, y ellos mirarían mi triste espectáculo, con pena e impotencia. Prefiero decirle que sin duda sería una muy la maestra, y esta es una de las razones que me han llevado a escribir este tipo de homenaje.
Con toda mi admiración,”

Evelyne de la Chenelière
(Montreal, Quebec, 1975)

 

Evelyne de la Chenelière es autora y actriz. Ha escrito numerosas piezas teatrales que han sido montadas tanto en Quebec como en el extranjero y traducidas a varias lenguas. Sus textos (Desde Fraiser en janvier, Au bout du hilo, Henri & Margaux, Afrodita en 04, la Heritage de Darwin, Bashir Lazhar o Le plan américain, entre otros) muestran que su creación es una meticulosa observación de la naturaleza humana. En 2006 recibió el Prix littéraire du Gouverneur général por la recopilación titulado Désordre público. Evelyne de la Chenelière surgió del Nouveau Théâtre Expérimental, donde colaboró a menudo con el malogrado Jean-Pierre Ronfard. Trabaja regularmente con Daniel Brière.

 

Ficha técnica:
Título: Profesor Lazhar
Dirección: Philippe Falardeau
Producción: Luc Déry, Kim McCraw

 

Guion: Philippe Falardeau
Basada en: “Bachir Lazhar” de Évelyne de la Chenelière
Música: Martin Léon
Fotografía: Ronald Plante
Montaje: Stéphane Lafleur
Protagonistas: Mohamed Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron, Danielle Proulx, Brigitte Poupart, Jules Philip
Datos y cifras
País: Canadá
Año: 2011
Duración: 94 min.
Idioma: francés
Productora: Micro_Scope

Premios Oscar 2011: candidata a mejor película extrajera
Otros premios
Festival de Locarno 2011 : premio del público y premio de la crítica otorgado por los periodistas de Variety
Festival de Toronto 2011 : mejor película canadiense
Festival Internacional del Cine Francófono de Namur 2011: premio Especial del Jurado y premio del Público
Festival de Cine Internacional en Abitibi-Témiscamingue 2011: gran premio Hydro-Québec y premio Comunicación y Sociedad
Festival de Cine Francófono en Acadia 2011: La vague de coup de cœur
Semana Internacional de Cine de Valladolid 2011: Mejor guion, Premio de la Crítica Internacional y Mención especial Diversidad Cultural

 

 

“Monsieur Lazhar” es una adaptación, realizada por Philippe Falardeau, de la obra de teatro escrita por Evelyne de la Chenelière, una autora canadiense nacida en 1975, titulada “Bashir Lazhar”, nombre del profesor argelino que de pronto irrumpe en la escuela para ocupar el cargo de un docente muerto unos días antes.

Según el jurado del Festival de Cine de Toronto, es "una película que explora la pérdida, el exilio y las verdades que no decimos a nuestros hijos."

Los alumnos del 6º grado aún se encuentran procesando la desaparición de su maestro cuando Bashir, presunto profesor, con métodos propios, asume el duelo tratando de lograr apaciguar el dolor que paraliza a las autoridades y a los chicos. Pero, a su vez, su propio dolor, ya que se encuentra tramitando su calidad de refugiado, emerge de entre ese contexto emocional tan complejo, para encontrar la forma o el modo de encarar semejantes problemáticas.

Tanto la obra de teatro como el film irradian dulzura y comprensión. El profesor realiza un trabajo de profunda elaboración emocional ya que es su propia experiencia la que le va dictando el camino de la transformación hacia los verdaderos vínculos que le permiten sobrellevar su difícil relación con los alumnos y las autoridades de la escuela. Especialmente con los chicos ya que se asienta en la concepción de que la escuela se constituye en un segundo hogar, y la muerte o la desaparición de un docente, aparentemente muy querido, puede resultar una situación de dificultosa resolución como el fallecimiento de un ser querido. En ese sentido Bashir, solo y desprotegido en un país extraño, Quebec, Canadá, debe afrontar un doble desafío y pone a prueba su integridad y su firme resolución frente a tanta adversidad.

Cabe resaltar que la pieza teatral fue concebida para un monólogo, pero el realizador demuestra manejarse con suma soltura y delicadeza con su cámara en ese contexto tan incierto y dudoso como es el aula de pequeños actores tan propicios para la demagogia o el facilismo del “carpe diem” con que otras producciones mostraron en otros ámbitos del cine occidental la relación entre maestro y alumno.

 

El Cine Club “Dos Miradas”, de la Biblioteca Alberdi, exhibirá este film el día 06 de julio a las 18 hs. La entrada es gratuita.

 

Para más datos ver el siguiente link en este mismo blog:

 

http://cinenpunta.blogspot.com.ar/2012/07/monsieur-lazhar-las-otras-formas-de-la.HTML

 

Héctor O. Correa

Punta Alta, julio de 2013



RASHOMON EN EL CINE CLUB DOS MIRADAS

En otra función dedicada al cine del gran Akira Kurosawa, el Cine Club "Dos Miradas" dependiente de la Biblioteca Alberdi, exhibirá "Rashomon" del autor japonés Ryūnosuke Akutagawa, quien a través de dos cuentos "En el bosque" y "Raashomon", mas la pericia cinematográfica de Kurosawa, quien los adapta con una maestría inigualable, se interna en los vericuetos narrativos de un cuento en clave policial con rasgos de investigación psicológica que, además, describe un Japón medieval complejo y conflictivo.

“Rashomon”, del director japonés Akira Kurosawa, será la tercera y última película que se proyecte en el ciclo “El cine de Akira Kurosawa” que se encuentra organi-zando el Cine Club “Dos Miradas” en la Biblioteca Juan B. Alberdi y el auspicio de Seguros Rivadavia en el segundo trimestre dde 2013.

Ficha técnica:
Fecha de estreno inicial: 25 de agosto de 1950
Director: Akira Kurosawa
Fotografía: Kazuo Miyagawa
Historia creada por: Ryūnosuke Akutagawa
Reparto: Toshirō Mifune, Takashi Shimura, Machiko Kyō, y sigue
Guion: Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa
Recibió el Oscar a la mejor película extranjera en 1951. Y el León de Oro en 1950.

Dos cuentos concebidos por Ryunosuke Akutagawa se fusionan magistralmente en 1950 en esta obra maestra de Akira Kurosawa, "Rashomon", un cuadro destinado a ser clasificado eternamente junto a las mejores películas de todos los tiempos. Al igual que "12 Angry Men" (Doce hombres en pugna), es el tipo de relato cuya moral, universalmente relevante, puede ser adaptado innumerables veces, y aún conservan su poder en su totalidad.

La historia transcurre en el Japón del siglo XII, cuando, bajo el portal de un antiguo templo llamado Rashomon se refugian, durante una intensa lluvia, tres hombres y relatan acontecimientos transcurridos, no hace mucho tiempo, en el bosque donde se cometió un asesinato y una mujer fue violada. Kurosawa narra las distintas versiones de lo sucedido, mientras describe los aspectos psicológicos y morales de los personajes, y del hecho, a la vez que muestra la época medieval de un país tan peculiar donde prevalece el egoísmo y la desconfianza.

Aunque "Rashomon" podría ser considerado un relato imbuido de cierta amoralidad, ya que constituye un crimen horrendo tomado de diferentes ángulos, son las revelaciones que se producen a través de las perspectivas siempre cambiantes lo que permite a los jueces (y a los espectadores) encontrar la iluminación. Algunos críticos lo ven como una versión inteligente y convincente del cuento clásico que evoca la majestuosidad visual de Kurosawa en sus composiciones pictóricas.

Rashomon es el nombre de la entrada a la ciudad de Kyoto, y describe el ambiente medieval de la película que llevó al director Akira Kurosawa al reconocimiento internacional. El concepto de que el narrador no fiable existe, en lo que respecta a la verdadera naturaleza de la verdad, no fue apreciado por los seguidores de Kurosawa, ni tampoco su introducción de la cobertura multicámara. Es la sólida concepción de la forma de narrar en la adaptación de estos cuentos lo que evoca la maestría del realizador y el manejo prístino de sus valores y aspectos cinematográficos.

Diseccionar la historia en sus múltiples perspectivas, someterla a consideraciones culturales, psicológicas y morales, a pesar de que transcurre en el medioevo japonés, le da una relevancia contemporánea de indudable valor, lo que aumenta aún más su compromiso con la realidad y el mundo de postguerra.

Considerado también un thriller psicológico revolucionó el lenguaje cinematográfico e introdujo una nueva estrella con el nombre de Toshiro Mifune al cine del mundo occidental.

La proyección de “Rashomon” de Akira Kurosawa, en la Biblioteca Alberdi será el 22 de junio a las 18 hs. y entrada liberada.

http://cineclubdosmiradas.blogspot.com.ar/2013/06/rashomon-cuatro-hombres-en-pugna.html

Héctor Correa

Punta Alta, junio de 2013

DERSU UZALA. LA NATURALEZA Y LA PEQUEÑEZ DEL HOMBRE

DERSU UZALA

"DERSU UZALA", DEL DIRECTOR JAPONÉS AKIRA KUROSAWA, ES LA SEGUNDA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "EL CINE DE AKIRA KUROSAWA" QUE ESTÁ ORGANIZANDO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI EN EL SEGUNDO TRIMESTRE DE 2013.

Japón-URSS, 1975. Director: A. Kurosawa. Productores: Yoichi Matsue y Nikolai Sizov. Guion: Akira Kurosawa y Yuri Nagibin, basado en la novela de Vladimir Arsenyev, "Dersu, okhotnik". Fotografía: Fyodor Dobronravov, Yuri Gantman y Asakazu Nakai, en Color. Música: Isaak Shvarts. Dirección artística: Yuri Raksha. Montaje: Akira Kurosawa y Vladimir Stepanovoi. Duración: 144 min. Intérpretes: Maksim Munzuk (Dersu Uzala), Yuri Solomin (Cap. Vladimir Arseniev), Svetlana Danilchenko (Sra. Arseniev), Dmitri Korshikov (Wowa), Suimenkul Chokmorov (Jan Bao), Vladimir Kremena (Turtwigin), Aleksandr Pyatkov (Olenin).

“Dersu Uzala” es una película tremendamente humana. Cuenta que la gran taiga rusa alberga un viejo cazador quien vive en perfecta comunión con la naturaleza. Sólo la presencia de lo extraño altera el equilibrio esencial de ese entorno donde el árbol y el animal, no sólo constituyen la vida sino también el sentido de la tierra. La pérdida de ese delicado equilibrio es la catástrofe. Sobre este relato la obra de Kurosawa irradia esa esencialidad, nos advierte acerca de los peligros que el progreso irracional y desmedido nos puede traer. Sólo "Dersu, okhotnik", como lo llama el autor de la obra en la que se asienta este relato cinematográfico, o "neneyet" como llaman al cazador de la región, comprende, o mejor, forma parte vital de esa inclemente naturaleza, con la que mantiene un permanente diálogo y aprendizaje. Lo que le permite acercarse a los lugares y a la vida total que es el contexto en el que se desarrolla la historia escrita por  Vladimir Arsenyev, historia llena de una irreprimible emoción por la personalidad de Dersu y su peculiar existencia rodeado de lo que lo identifica y mantiene con vida. Las principales preocupaciones del mundo de Kurosawa están en este film, pero va más allá, se interna en lo humano profundo, en el principio de la existencia, y en la trascendencia de lo natural con un claro sentido ético y moral. Las exploraciones de la taiga realizadas por el explorador ruso Vladimir Arsenyev (1869-1930) fueron la fuente inspiradora para la creación de esta historia y este personaje tan particular, lleno de un sentido de la solidaridad que sólo se compara con el amor a la tierra y a sus habitantes de una las regiones más dificultosas del mundo, desde el punto de vista geográfico. 

“En 1923 publicó su obra más famosa, Dersu Uzala ('El Cazador'), que describe sus experiencias en la frontera de Rusia con China en 1902, junto a un guía que le había acompañado en sus expediciones. En esta obra excepcional, Arseniev narra sus aventuras en el corazón de la taiga y, sobre todo, su relación con este viejo cazador, capaz de dialogar con la naturaleza. La obra fue más tarde adaptada al cine en una de las películas más importantes del maestro japonés Akira Kurosawa, y quizás una de las mejores de la historia del cine, Dersu Uzala. (Texto extraído de www.mcnbiografias.com).”

La proyección de “Dersu Uzala” de Akira Kurosawa, en la Biblioteca Juan B. Alberdi será el sábado 08 de junio a las 18 hs. y la entrada es gratuita.

LOS SUEÑOS DE AKIRA KUROSAWA. UN VIAJE HACIA LAS PROFUNDIDADES DEL HOMBRE Y LA TIERRA

Ficha técnica:

Dirección: Akira Kurosawa

Guion: Akira Kurosawa

Música: Shinichirô Ikebe

Fotografía: Takao Saito y Masaharu Ueda

Montaje: Tome Minami

Protagonistas: Akira Terao, Mitsuko Baisho, Toshie Negishi, Mieko Harada, Mitsuno-ri Isaki, Toshihiko Nakano, Yoshitaka Zushi, Hisashi Igawa, Chosuke Ikariya, Chishu Ryu, Martin Scorsese, Masayuki Yui

Datos y cifras

País(es) Japón, Estados Unidos

Año 1990

Duración: 119 min

Idioma(s): Japonés, Francés, Inglés

Compañías: Productora Warner Bros. Pictures, Akira Kurosawa USA

CINE CLUB “DOS MIRADAS”

BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI

Para el día sábado 18, a las 18 horas, se programó la exhibición del largometraje “Los Sueños de Akira Kurosawa”, representativo de la cultura universal y japonesa.  La entrada es libre. 

Esta muestra consistirá en la exhibición, análisis y comentarios, primero de este film, que es una de las tres películas más representativas de la extensa filmografía del gran director: Los Sueños (1990), Dersu Uzala (1975), y Rashomon (1950).

La actividad tiene como objetivos promover la formación de encuentros para el cine, utilizando como herramienta films basados en obras del cine y la literatura universales; acercar a los estudiantes de la disciplinas afínes a las instalaciones del Cine Club de la Biblioteca Alberdi; así como también generar una instancia que estimule las aptitudes críticas de los espectadores frente a los distintos modos de entender la cinematografía como obra de arte.

En cada sesión se darán a conocer algunos elementos, nociones y comentarios en torno a la película. Con este fin, a cada asistente se le hará entrega de la ficha técnica de la película programada, acompañada de una contextualización y de un conjunto de actividades relacionadas con el contenido del filme.

A continuación de la exhibición se desarrollará una discusión crítica en torno a los contenidos de la obra, donde  el público podrá hacer preguntas o exponer sus comentarios.

El Cine Club “Dos Miradas”, es dependiente de la Biblioteca Juan. B. Alberdi de Punta Alta, en el marco de su Programa de Apoyo al Cine Arte en sus salas para la realización de todas sus actividades. 

Héctor Correa

Punta Alta, mayo de 2013

LE PRÉNOM EN EL CINE CLUB DOS MIRADAS. ORGANIZADO POR LA BIBLIOTECA ALBERDI

El film francés "Le Prénom" será exhibido en el Cine Club "Dos Miradas" que organiza la Biblioteca Alberdi de la ciudad de Punta Alta, Pcia. de Buenos Aires. Será el 04 de mayo de 2013 a las 18 hs. con entrada gratuita.



Para más datos ver el siguiente link:

http://www.cineclubdosmiradas.blogspot.com.ar/2013/04/de-prenom-el-nombre.HTML

Héctor Correa
Punta Alta, mayo de 2013

CINE DEL BUENO SEGÚN EL BLOG PERIODISMO EN REDACCIÓN



MUY BUENA NOTA SOBRE EL "CINE CLUB DOS MIRADAS"

 

 

La excelente nota de Rosario Torres Carbonell integrante del blog PERIODISMO EN REDACCIÓN de la Tecnicatura Universitaria en Periodismo y Emprendimientos de la Comunicación Sede Punta Alta acerca del Cine Club "Dos Miradas", organizado por la Biblioteca Alberdi de la ciudad de Punta Alta, se puede leer en el siguiente link:

http://periodismoenredaccion.blogspot.com.ar/2013/04/cine-del-bueno-en-punta-alta.HTML


Punta Alta, abril de 2013

DAS WEISSE BAND. EINE DEUTSCHE KINDERGESCHICHTE. LA VIOLENCIA GLOBAL O LA GLOBALIZACIÓN DE LA VIOLENCIA

Título: Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte. (La cinta blanca. Una historia infantil alemana / The White Ribbon).
 

(Austria-Alemania-Francia-Italia, 2009] [B/N, 149 m.].
 

Ficha técnica:
Dirección: Michael Haneke.
Argumento: Michael Haneke.
Guión: Michael Haneke.
Fotografía: Christian Berger (Blanco&Negro).
Música: Varios.
Producción: Stefan Arndt, Veit Heiduschka, Michael Katz, Michael Katz, Margaret Ménégoz, Ulli Neumann, Andrea Occhipinti
Productora: Les Films du Losange / Wega Film / X-Filme Creative Pool.
Reparto: Christian Friedel (el profesor), Ernst Jacobi (La voz del narrador), Leonie Benesch (Eva), Ulrich Tukur (El Baron), Ursina Lardi (Marie-Louise, la Baronesa), Fion Mutert (Sigmund), Michael Kranz (El Tutor), Burghart Klaußner (El Pastor), Steffi Kühnert (Anna, la esposa del pastor), Maria-Victoria Dragus (Klara), Leonard Proxauf (Martin), Levin Henning (Adolf), Johanna Busse (Margarete), Yuma Amecke (Annchen), Thibault Sérié (Gustav), Josef Bierbichler (el mayordomo), Gabriela Maria Schmeide (Emma, la esposa del mayordomo), Janina Fautz (Erna), Enno Trebs (Georg).
 

Premios.
- 2009: Nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa
- 2009: Festival de Cannes: Palma de Oro (mejor película), premio FIPRESCI
- 2009: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa
- 2009: Premios del cine europeo: Mejor película, director, guión. 4 nominaciones.

 

En un pequeño pueblo alemán -un año antes de la Gran Guerra del 14-, llamado "Eichwald", dominado por una férrea moral protestante, suceden extraños acontecimientos, muy violentos, que alteran su tranquila vida rural. El director del film detiene su mirada sobre distintos personajes, desde el pastor hasta los niños del coro, en la escuela, dentro de una galería de habitantes y funcionarios, parroquianos, hombres y mujeres de todo tipo, indagando sobre los responsables pero también preocupado acerca del origen de semejantes hechos, con el objetivo de explicar no solo los orígenes socio-culturales del nazismo antes de la Primera Guerra Mundial, sino "la violencia" de una Europa decadente y en crisis.

Héctor Correa

Punta Alta, abril de 2013

LA BIBLIOTECA ALBERDI Y EL CINE

Próxima función del Cine Club Dos Miradas, "El Cine de Michael Haneke", organizado por la Biblioteca Alberdi. Día 06-04-13 a las 20 hs.

LA STANZA DEL FIGLIO. UNA ALEGORÍA SOBRE EL REENCUENTRO CON LA MUERTE Y LA VIDA

En esta nueva etapa, iniciada con "Habemus Papam" el sábado 02/03/13, el Cine Club "Dos Miradas" ahora presenta "La Stanza del Figlio", el sábado 16 a las 20 hs. en la Biblioteca Alberdi, en el ciclo de dos films "El Cine de Nanni Moretti".

 

LA STANZA DEL FIGLIO

(La habitación del hijo)

TÍTULO ORIGINAL: "La stanza del figlio"

AÑO: 2001

DURACIÓN: 100 min.

PAÍS: Italia

DIRECTOR: Nanni Moretti

GUIÓN: Nanni Moretti, Linda Ferri, Heidrun Schleef

MÚSICA: Nicola Piovani

FOTOGRAFÍA: Giuseppe Lanci

REPARTO: Nanni Moretti, Laura Morante, Jasmine Trinca, Giuseppe Sanfelice, Silvio Orlando, Stefano Accorsi, Claudia Della Seta

PRODUCTORA: Coproducción Italia-Francia; Sacher Film Rome / BAC Films / Studio Canal Paris

PREMIOS 2001: Cannes: Palma de Oro y FIPRESCI

2000: Premios David di Donatello: 3 premios, incluyendo Mejor película. 12 nominaciones

 

 

 

 

La irrupción, inesperada y trágica, en una familia de clase media, de un fortuito hecho, impacta sobre la rutinaria y apacible vida de sus integrantes, en especial sobre Giovanni, psicoanalista, abocado a arraigadas costumbres y prácticas deportivas como trabajar y correr. La tranquilidad y la conformidad del grupo familiar es puesta a prueba frente al dolor que en algún momento se hace insufrible, pero lleno de una honda vitalidad. Nanni Moretti narra esta historia desde adentro, como protagonista y como cineasta, y nos envuelve en una atmósfera particular con una clara profundidad introspectiva, lo que lo constituye en un realizador de una extraordinaria sensibilidad.

Héctor Correa

EL OSCAR. NO TODO ES DE PELÍCULA

ARTÍCULO DE OPINIÓN

Un interesante punto de vista acerca del premio más importante de la historia del cine

Entrelíneas
Ficciones y realidades de un premio
Por Marcelo Stiletano | LA NACION

Paradojas del destino y de un premio que fluye todo el tiempo entre la ficción y la realidad.  Argo  llega esta noche como la gran candidata a llevarse el premio mayor de la fiesta del Oscar: allí, un grupo de diplomáticos estadounidenses, con la ayuda de un negociador de la CIA y el disfraz de productores y técnicos de una película ficticia, trata desesperadamente de salir del aeropuerto de Teherán y regresar a su país en plena crisis de los rehenes de 1979.  5 Broken Cameras  tiene pocas posibilidades de ganar el premio al mejor largometraje documental, pero uno de sus directores, el palestino Emad Burnat, será hoy uno de los más buscados en la alfombra roja: a su llegada a Los Angeles él y su familia estuvieron detenidos en la estación aérea y de no mediar un operativo contra reloj encabezado por Michael Moore habría sido enviado de vuelta en el siguiente avión por las autoridades migratorias.

Las diferencias entre un caso y otro están a la vista: en 1979 corrían riesgo de verdad las vidas de quienes estaban refugiados en la embajada canadiense en Irán luego de la toma de la embajada de Estados Unidos por parte de fanáticos seguidores del ayatollah Khomeini y la revolución islámica de entonces. También, como acaba de relatarse, las curiosas semejanzas entre ambas situaciones. Una vez resuelto el episodio de Burnat, Moore se refirió al celo cargado de desconocimiento exhibido por los oficiales migratorios de Estados Unidos: "No podían imaginar que un palestino podía ser candidato al Oscar". En el comienzo de  Argo  vemos una perplejidad parecida en el rostro de la plana mayor de la CIA. No le encuentran la vuelta al asunto hasta que alguien saca de la galera lo de la película falsa.

Cuesta imaginar un doble escenario más apropiado para ilustrar el cierre de temporada de premios más cargado de connotaciones políticas de los últimos años en Hollywood. En este escenario, a partir de su mezcla fecunda de thriller político, drama, intriga, suspenso, comedia y cruces entre personajes imaginarios (el productor encarnado por Alan Arkin) y reales (Paul Chambers, el experto en maquillaje que interpreta en el film Johh Goodman y que en la vida real fue un activo colaborador de la CIA),  Argo  fue el film que mejor logró sobrellevar las tensiones y las controversias sobre supuestas tergiversaciones históricas que recorrieron (y afectaron, por cierto) a algunos de los aspirantes más fuertes de este año.

Del otro lado, el más perjudicado de todos parece haber sido  Lincoln, objeto de una sucesión de fuertes reproches iniciada por el representante demócrata por Connecticut Joe Courtney, que lamentó ante el mismísimo Steven Spielberg que en su film los dos votos de ese mismo estado sobre la abolición de la esclavitud aparecieran como negativos, cuando en realidad apoyaban la enmienda constitucional del entonces presidente. Courtney y la influyente columnista de The New York Times Maureen Dowd no sólo reclamaron a Spielberg que reconociera públicamente el error. Pidieron que sea corregido cuando el DVD de la película llegue, tal como prometió el director, a todas las escuelas medias y superiores de Estados Unidos.

La política de Hollywood

La larga cuenta regresiva al Oscar, como se ve, estuvo marcada por las disputas entre Hollywood y la política. Pero en los últimos días, como es habitual en estos casos, lo que termina imponiéndose es la política de Hollywood. El ex senador demócrata Christopher Dodd conoce muy bien a Courtney y sabe mucho más sobre los números de aquella votación histórica por haber representado a Connecticut durante 36 años en el Parlamento de Estados Unidos.

Pero en su actual condición de máxima autoridad de la Motion Pictures Association of America (MPAA) debe estar mucho más atento a otra clase de cifras. Dos de los grandes estudios que integran la entidad presidida por Dodd gastaron unos 10 millones de dólares por cabeza para tratar de imponer en la carrera hacia el Oscar a sus respectivas películas mejor posicionadas. Después de muchos años de predominio de títulos pequeños e independientes ajenos al  mainstream  hollywoodense, Warner (por  Argo  ) y Disney (por  Lincoln  ) vienen librando desde hace semanas una sorda y millonaria contienda por un premio que significa mucho de aquí en adelante para la película ganadora.

Según Los Angeles Times, las escaramuzas entre los estudios se plantearon en la prensa escrita de Hollywood (cada aviso a página completa en Variety cuesta 80.000 dólares), en TV (spots promocionales de 30 minutos en canales locales de California a un costo mínimo de 100.000 dólares) y en toda clase de estrategias de marketing: pasajes de avión en primera clase, alojamiento en hoteles cinco estrellas, recepciones (100.000 dólares cada una), carteles promocionales en la vía pública (de 200.000 dólares para arriba en espacios estratégicos de fuerte impacto visual) y limusinas, entre muchos otros.

Hollywood añoraba esa presión de los estudios, reemplazada en los últimos años por el insuperable talento para el lobby del productor Harvey Weinstein, cuyas películas (  El discurso del rey  y  El artista  ) se llevaron el Oscar en los últimos dos años. En el diario El País, de Madrid, acaba de publicarse una nota que recuerda la génesis de esa envidiable capacidad de maniobra: "Weinstein demostró a Hollywood que el Oscar tenía un precio cuando en 1999 consiguió la victoria contra todos los pronósticos de  Shakespeare apasionado  gracias a una campaña valuada en 11,3 millones de euros".

Cuando el Oscar ya haya consagrado a sus ganadores, unos 1600 invitados cruzarán el hall del Teatro Dolby y se dirigirán hasta el piso más alto del monumental complejo comercial levantado en el cruce de las avenidas Hollywood y Highland para participar del tradicional Governor's Ball, una fiesta que costará casi dos millones de dólares. Quienes se crucen allí con Dodd seguramente hablarán mucho de números. Querrán saber, por ejemplo, si este año el Oscar aportará como en 2012 unos 130 millones de dólares a la economía de Los Angeles. También hablarán de los números de la fiesta: las 50 estatuillas de oro que se repartirán este año cuestan un valor estimado a 45.000 dólares. Se habrán gastado un millón en el escenario, 250.000 en el operativo de seguridad, 100.000 en honorarios para los productores, un mínimo de 15.000 para los cantantes (a partir de 2400 para Barbra Streisand y 3500 para Norah Jones, según los honorarios del sindicato de músicos) y hasta 10.000 sólo en confeccionar e imprimir los casi 500 sobres para los nominados y ganadores, tarea en la que se invirtieron (según consigna The Hollywood Reporter) unas 110 horas.

Pero no todo pasa aquí por el glamour, el lujo y los gastos ilimitados. Para la hora en la que TNT tiene previsto iniciar su preshow desde la alfombra roja (las 20.30, hora argentina), se espera que trabajadores de la firma de efectos especiales (VFX) que podría darle el Oscar en esa categoría a  Una aventura extraordinaria  levanten allí a la vista de todos un cartel de protesta. Ellos temen perder su trabajo después de que la empresa se presentara en convocatoria de acreedores y quieren hacerlo saber. Es otra de las tantas paradojas que cada año entrega el Oscar..

Para leer la nota original seguir el siguiente link:
http://www.lanacion.com.ar/1557410-ficciones-y-realidades-de-un-premio

Punta Alta, 24 de febrero de 2013

HABEMUS PAPAM. CRISIS Y PODER

 

 

 

 

 

Habemus Papam (Annuntio vobis gaudium magnum:)

Dirección: Nanni Moretti.

Países: Italia y Francia.

Año: 2011.

Duración: 102 min.

Interpretación: Michel Piccoli, Jerzy Stuhr, Renato Scarpa, Franco Graziosi, Camillo Milli, Nanni Moretti, Margherita Buy.

Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Federica Pontremoli.

Producción: Nanni Moretti, Jean Labadie y Domenico Procacci.

Música: Franco Piersanti. Fotografía: Alessandro Pesci.

Montaje: Esmeralda Calabria.

Diseño de producción: Paola Bizzarri.

Vestuario: Lina Nerli Taviani.

Distribuidora: Vértigo Films.

La fina ironía de Nanni Moretti esta vez enfocada hacia el Vaticano. Las angustias del hombre contemporáneo, las tentaciones y dudas existenciales frente al poder, los antiquísimos ritos eclesiales destinados y respetados para la elección papal, enfrentados a la pequeñes del hombre y su vida contidiana, son abordados en este film con una cálida y siempre vigente perfección interpretativa del francés Michel Piccoli.

EN LA BIBLIOTECA ALBERDI, EL SÁBADO 02 DE MARZO DE 2013, A LAS 20 HS.